viernes, 11 de enero de 2013

¿Alguien ha dicho felicidad?




Cчастье (Felicidad) de Александр Медведкин (1934)

          Ayer los habitantes de Barcelona tuvimos la gran oportunidad de acudir a ver un film del año '34 con música en directo. Y yo, llamado por el interés que despierta en mi el cine soviético, decidí acudir a la filmoteca. Personalmente no conocía esta película, fue una grata sorpresa... algo así como encontrar la felicidad.

                  


           Nos encontramos ante una pieza que hará las delicias de aquellos que amen el cine mudo. Una comedia negra, surrealista y profundamente alegórica. 
La producción que nos ofrece Медведкин es una comedia que como muchas de la época tira del slapstick para articular a su alrededor una parábola político-social, en este caso sobre de la situación de Rusia de los '30; al mismo tiempo que reflexiona sobre el materialismo, la libertad y la búsqueda de la felicidad. Una sátira que seguramente para muchos falle en la moraleja final, pero que por su ingenuidad solamente dibujará una sonrisa en nuestros rostros. Será sin duda esta esta falta de sutileza lo que hará esta película tan entrañable a ojos del espectador.


Un rasgo que llamó mi atención fue el interés de Медведкин en tratar la historia como una fábula infantil (sacada literalmente de algún cuento de Afanasiev) caricaturizando a todo ser y objeto de la cinta, no quedando lugar a dudas para descubrir quien es el bueno y el malo en este circo social: narices postizas, pies gigantes, caballos con lunares que suben a los tejados, monjes que se pelean por una billetera, cadenas y candados exacerbados -que no hacen más que destacar la idea de propiedad-, soldados que parecen sacados de una fiesta, de cabezudos y gigantes (el poder militar nunca da la cara)... todo este conjunto de bizarreces ayuda a ensalzar la película a una inteligencia (cómica) sublime que queda reflejada -para mí- en una escena maravillosa: la escena del molino... Chaplin o Keaton no hubiesen  dudado en utilizarla.  Pero además de los rasgos estéticos, los diálogos -o cartelas- llegan a ser totalmente impredecibles, dadaistas... como si se tratase de escritura automática.



                Finalmente puede que el producto funcione más como curiosidad que como película en sí, pero ¡qué rareza más excepcional! Sin duda, es el carácter irreverente de sus escenas lo que más nos llama la atención. ¿Será por su parecido a la obra de nuestro querido Goya? ¡GOYA EN MOVIMIENTO!
Sin duda solamente tengo buenas palabras para referirme a este trabajo de Медведкин, tanto por su delirio como por su ingenuidad y/o falta de sutileza.

Disfruten esta road movie soviética al más puro estilo lacado.



Ve a buscar la felicidad y no vuelvas con las manos vacías
Al final la felicidad no era lo que pensabas, contigo murió la felicidad: la felicidad de estar juntos, de crecer, aprender, enseñar, compartir, disfrutar...



domingo, 18 de noviembre de 2012

De la dureza de un callo a la debilidad infantil: Barbara Stanwyck

   

                 Sin duda hay una actriz que me tiene hipnotizado desde hace varios años, ésta es la maravillosa Barbara Stanwyck. De ella vamos a hablar un poco hoy.

No voy a recitar aquí su biografía que para eso están los libros especializados y la wikipedia. Además... ¿quien no conoce a la Stanwyck? Una de las actrices, con permiso de nuestra querida Marlene Dietrich, que más veces y mejor a representado el papel de mujer fatal en nuestras pantallas y para muchos en nuestras mentes... pues su rostro, su físico, queda grabado a fuego en nuestra mente sin poder evitarlo. Sus ojos de almendra, la nariz aguileña, la voz un poco hombruna que tenía... ese cuerpo que con el que Dios la bendijo y la maldijo al mismo tiempo, pues era una de aquellas bellas troqueladas, rotas por dentro. Una enfermedad en la columna la llevó por la calle de la amargura toda la vida, eso sí en la pantalla -como toda profesional que valga- no se le notaba nada.

Me gustaría señalar dos películas que he visto recientemente: Sorry, wrong number (1948) y There's Always Tomorrow (1956). Los films en cuestión de 8 años nos demuestran una evolución grandísima en lo que respecta al personaje de Barbara. Para muchos siempre fue, es y será "la mujer fatal", aquella actriz que encarnaba mujeres duras, sin sentimientos, fuertes... pero la realidad no es del todo así, por lo menos desde nuestro punto de vista.






En estas dos cintas que os comentamos se nos muestra una mujer obsesiva en todos sus actos, un handicap que la seguirá en gran parte de sus producciones. Cine negro y un melodrama, dos opciones, las mismas obsesiones: el mismo patrón visto de otro lado. 
En Sorry... se nos muestra como una frágil mujer, enferma, hipocondríaca, en su lecho desde donde cree dominar todo (prometemos una entrada sobre el poder la cama como lugar desde donde ejercer nuestra voluntad). Una bonita alegoría sobre el poder y la corrosión que puede llegar a ejercer por creerse dueño y señor de todo lo que le rodea. En este entrañable y enfermizo personaje lo único que queda de mujer fatal es la tiranía que esta joven heredera ejerce sobre todo lo que está a su alcance, en este caso vía telefónica.

Fotograma de la histérica protagonista de Sorry...

Mientras, en There's... se nos muestra una personaje bastante diferente. Mantiene los trazos obsesivos- un poco psicóticos (la verdad) en este caso- en la persecución de su amor de adolescencia del cual guarda, como un gran tesoro, una foto en su cartera. Una película que se basa en los recuerdos de ella y de él, un personaje que está construido en base a esos recuerdos y en consecuencia es igual de frágil que ellos. Aquí la tiranía desaparece por momentos para convertir a Barbara en un personaje infantil, enamorado (como en casi todos sus films, ahora no es viuda negra sino una Barbie) del pasado, de Blue Moon la insacible melodía que nos penetra en nuestra masa encefálica para convertirnos a nosotros en ellos dos... la tiranía de Barbara ya no es contra los personajes de la película sino contra nosotros, los televidentes. Sí señores, como en The Great Train Robbery (1903), la Stanwyck da vueltas a la manivela del organillo como si estuviese sonando un chotis, le mira desafiante, nos desafía a nosotros... ahora la pistola del bandolero se convierte en una melodía. Sin duda una amenaza mucho peor. La mala leche de la mujer fatal no llega a salir para conseguir su objetivo, sino todo lo contrario... y hasta aquí puedo leer, como diría Mayra Gómez-Kempt.

Reveladora fotografía promocional de There's...



               No obstante este cambio desde sus inicios, sin duda mantiene el carácter fuerte y obsesivo que tanto la hizo triunfar, llorar y convulsionar.  
Sin duda éste es nuestro pequeño homenaje a esta menuda mujer que con su belleza nada ortodoxa nos conquistó a golpe de tacón y destello de lentejuelas en Lady of burlesque (1943).

Blue Moon (Nat King Cole)

viernes, 2 de noviembre de 2012

Rosita: transgresión, humor y picardía.

                       
                      

                        Estoy de vacaciones, he vuelto al pueblo y ésto siempre produe en mi mente un proceso retrospectivo de ciertas cosas que aquí he podido vivir: algunas graciosas, otras tristes... pero sobretodo curiosas.
En esta fase retrospectiva me encontraba cuando hablando con un amigo no podíamos parar de reír al recordar cuando conocimos a una de las artistas que más se grabaría en nuestra mente, al principio solamente por su exhuberante físico y curioso espectáculo y más tarde por sus picaronas letras. Recuerdo que fue en una de las fiestas de los jubilados que se organizan en los pueblos...  allí estaba, saliendo tras unos cortinajes de terciopleo azul flanqueada por dos altavoces, una señora ya mayor (para mi vieja, pero claro, yo era un niño), gordita, con el pelo rubio y las uñas muy largas, que se había enfundado en un ajustado vestido negro lleno de brillos y lentejuelas multicolores, y que dejaba al aire la parte de su anatomía más sobresaliente: sus enormes y generosos pechos, cuya parte superior estaba bañada en purpurina -que posteriormente acabaría en la calva de un señor octogenario- mientras que los pezones se ocultaban bajo un reguero de brillantes. Ella era Rosita Amores. Con un gesto entre maternal y pícaro cantaba ponle menta, cuya letra  no entendíamos pero que hoy día es un hit para todos nosotros. En realidad, la gracia de todo ello no era la canción sino el tremendo movimiento que era capaz de imprimirle a sus pectorales (ya quisiera Shakira moverse como ella).

Posa'm Menta con el Titi (presentado por Salomé, 1995)


Durante años Rosita recorrió el país como pionera del cabaret erótico, llenando casinos, salas y teatros, e incluso llegó a hundir uno de ellos pues había tantos hombres en la sala que el piso superior se cayó y mató a uno (a la viuda le dijeron que lo había hecho una caja de naranjas, ésto no sabemos hasta que punto es verídico o fruto del mito que envuelve a esta gran mujer).
Rosita, mujer costumbrista, natural, exhuberante... artista de variedades que daría mucho que hablar por su naturalidad y falta de pudor desde sus inicios en la orquesta de baile llamada Los Millonarios. Como ya hemos comentado fue pionera del cabaret erótico a mediados de los años 1960 junto a figuras como Rafael Conde (El Titi), actuando en los espectáculos de variedades que tenian lugar en el teatro Alkazar de Valencia. Tuvo especial arte para esquivar el tijeretazo inquisitivo de la censura franquista, época de doble rasero en que el erotismo -en principio- se reducía al ámbito privado, convirtiéndose de ésta manera en un símbolo popular del espectáculo erotico-festivo en el País Valencià. Una verdadera artista del renacimiento, una humanista, que tanto te cantaba como bailaba, recitaba unos versos o te protagonizaba un film o serie, eso sí siempre en algún papel algo pícaro donde mostrara cacha, recordemos Vicenteta esta-te queta o la gran El virgo de Vicenteta ambas del 1979 dirijidas por Escrivà, V; su aparición en La casa de los líos o la última colaboraión en el cd de Antonomasia Gold, con la canción No hace falta que intentes cambiar, un  reconocimiento que desde aquí agradecemos con todas nuestras fuerzas: no siempre hemos podido ver tan literalmente a Rosita como una Mater Tenebrarum con los pechos al aire llevando con cadenas a sus súbditos cuales perros con las cadenas agarradas a los pezones, sin duda Giger o Cronenberg la convertirían en su musa si llegaran a conocerla algún día.

Antonomasia & Mater Tenebrarum


Muy acertadamente, un amigo, un día comentó que Rosita era la Mae West valenciana, sin duda creo que no pudo acertar más con esta afirmación, pues al igual que esta actriz americana Rosita también esta dotada de gran ironía y curvas sinuosas que exhibe no en poses lánguidas como la West pero sí activas y provocativas, y sin duda fue una maestra del doble sentido como Mae; como muestra de todo ésto quedan sus canciones y actuaciones en diversos soportes. Canciones tales como El llobarro, dónde explica como pescar este resbaladizo pescado(que claro se pesca con la manos, como le enseñó un pescador de La Marina), La tenda no recita todo lo que tiene en su omercia tan especial vendedora ("pepimos, peninos aixina de grans...") o Posa'm menta entre muchas otras; todas ellas una bocanada de transgresión y libertad en medio de la encorsetada sociedad, aún hoy en día lo son aunque para muchos sean anticuadas desde aquí pensamos que esta mujer tiene mucho que decir.


Fue conocida por sus frases picantes, como: «Dame un mordisco en elhigo y hazte un peluquín», «Tienes cara de putero»,  «Ahora perzco de Castellón de la Plana, las llevo de incógnito. En el camerino tengo un bombín y me las inflo»... pero sin duda lo que más la aproxima a Mae es el haber anunciado quedarse embarazada por El Titi, como dice él si fuese así ya no la llamarían Rosita sino Lourdes. Era capaz de convertir a un gay en un macho, eso sí con mucha lentejuela que es lo que a ella le gusta. Sin duda una dominatrix en toda su grandeza. Aquí os dejamos un vídeo de una de sus últimas apariciones en la televisión "pública" valenciana... cuando aún se atrevían a sacar cosas interesantes y el Opus Dei no había malmetido tanto, porque recordemos que Rosita y el Titi eran artistas habituales en los programas especiales de Fin de Año que el canal autonómico valenciano emitía para estas fechas.


Esta súpervedette ha sido, es y será la auténtica reina glam. Ya le gustaría a Lady Gaga haber sido ni la mitad de transgresora que ella…

sábado, 27 de octubre de 2012

Vida en sombras: la Rebeca alternativa española


Vida en sombras, Lorenzo Llobet-Gràcia (1948)




                Sin duda no he podido tener un mejor broche para el día del Patrimonio.


Sin dudarlo hemos decidido acudir a la Filmoteca al visionado de "Vida en Sombras" (Llorenç Llobet-Gràcia, 1948), para muchos un celuloide maldito desde el momento en que nació pero en realidad, según nuestro punto de vista, es una de la pocas afortunadas en haber sido elegida para su restauración en digital en el 2012.
Sí, es verdad que fue megamutilada en su nacimiento (escenas de besos, nacimiento del niño etc.) para poder ser expedida en nuestro propio país y extranjero, pero también ha sido muy mimada por los trabajadores de la Filmoteca Española que en 1984 la restauraron por primera vez y ahora en 2012 la vuelven a pasar por la mesa del cirujano para terminar de rematar la faena pero con todas las técnicas que nuestra época nos ofrece.

Fernando Fernán-Gómez y María Dolores Pradera (se casaron ese mismo año)


No voy les voy a destripar la película, pero la verdad que nos encontramos ante una pequeña joya digna de admirar. De bajo presupuesto pero al mismo tiempo de una intensidad que ya querrían muchos films actuales. Sin duda Llobet sabe manipular la cámara, hacer primeros planos para transmitir una sensación sin abusar de ellos, travellins, planos continuos... es verdad que nos enfrentamos a muchas alegorías un tanto infantiloides y obvias, citas cinematográficas que están de más, pero ahí es dónde reside el encanto del film: el tono infantil aunque agresivo de sus alegorías.

Cabe destacar la situación de la historia en el momento de alzamiento de la República y su posterior deterioro, en medio de todo ésta está el protagonista que vive por y para el cine desde su infancia: visionados de Charlot y Pol, cambio de cromos, creación de documentales, fotorreportajes, etc. Desde pequeño vive sólo para ello. Todo se desarrolla alrededor de un juguete precinematográfico (praxinoscopio) que gana "el padre" del protagonista en la feria al principio de la película, cuando éste aparece accionado por alguno de los personajes sabemos que algún acto creativo/acción importante va a suceder ( ¿podría ser un mcguffin de como los de Alfred?), desde los títulos de inicio sabemos que el cine y sus aparatajes serán la guía de la historia. Un drama que en parte nos recuerda a la Rebeca de nuestro querido Alfred pero tratada desde el otro gran drama nacional: la despedida de la República, la pérdida del hijo pródigo y la mujer que más amas... la cual vive en los cientos de rollos que tienes guardados en un cajón de la cómoda del comedor. Además podemos observar claras influencias en lo que respecta el registro de todo lo que pasa a su alrededor con Djiga Vertov, rasgo que se refuerza con el montaje con fundidos. 

Rebeca, Hitchcock A. (1940(

               En definitiva, estamos ante una película prácticamente asesinada en su nacimiento, que sin embargo después de un tiempo ha resucitado, y con ella el honor y la consideración que en su día se debieron otorgar a su director Lorenzo Llobet-Gracia, a quien le cabe la gloria del fracasado cuyo fracaso es un triunfo, pues los verdaderos triunfadores son aquellos que hacen lo que los fracasados de verdad tienen miedo de hacer.

Sólo falta deciros: ¿REALIDAD O FICCIÓN?


miércoles, 24 de octubre de 2012

Cosmópolis: el año de la rata


   

                 Qué mejor que un viaje en bici para reflexionar sobre lo que acabamos de visionar en la árida pantalla de cine, sí digo árida.

Nada más y nada menos nos hemos adentrado en el mundo de turbación y transformación de nuestro querido David Cronenberg, la verdad que no me gusta leer nada sobre la película que voy a ver pero había escuchado algunos comentarios no muy alentadores sobre ésta. La verdad, nos ha parecido una película bastante respetable y desde mi punto de vista, concretamente, muy interesante en diversos puntos.

Como va siendo costumbre en las últimas producciones del director canadiense, no esperemos aquellas transformaciones físicas totalmente desorbitadas o auténticos análisis de ciencia ficción. Todo lo contrario: un mundo de introspección el cual desencadena en todo un seguido de violencia por y para el cuerpo, ésta es la auténtica ciencia ficción actual. Probar nuestra naturaleza humana una y otra vez. Al menos así lo demuestra Cronenberg.

Anteriormente, estaba mencionando que la pantalla del cine aparecía frente a nuestras gruesas lentes como un paisaje árido sin duda no me arrepiento de estas palabras. La historia que nos plantean en el celuloide no es para menos: una historia de caída, de derrumbe. Para muchos el tema principal será el capitalismo, muy presente durante todo el film desde diversos puntos de vista (negocios, mecenazgo, lujo, antisistema...), pero creo que éste es solo una excusa -muy actual por cierto- para acceder a lo que verdaderamente interesa a Cronenberg: la transformación psíquica del joven Eric Packer.
Desde el primer segundo de película nos introducimos en el mundo de Eric, no en New York; bueno sí, pero el creado por este joven "empresario". Es decir nos introducimos en su mente. Su versión de la metrópolis está aislada de las realidades de la calle, no entiende a la gente ni hace por llegar a comprenderlos -aunque la limusina parezca el consultorio de un psicólogo. Ahí, suponemos, radica el encanto del personaje encarnado por Pattinson.

Por otro lado cabe destacar el diálogo omnipresente en toda la producción de Cronenberg: el entrelazamiento entre nuevas tecnologías, sexo, violencia y transformación. Sin duda ésto no dejará a los seguidores del director frustrados.

Juliette Binoche en el submundo de Pattinson


Las actuaciones por parte de los actores están muy conseguidas, la maravillosa Juliette Binoche (Copie conforme, 2010) en su corta aparición como marchante de arte-amante, Sarah Gadon... e incluso Pattinson por el que no apostaba nada consigue que me lo crea. Sin duda Cronenberg ha sabido sacar lo mejor de todos ellos.

Y comos siempre los detalles de fotografía, iluminación, alegorías, etc. correctos.
Muy bueno el detalle de los títulos iniciales (Action painting a lo Pollock) introduciendo a la perfección la caótica historia que nos espera; y los títulos finales dónde nos deja ver las obras de Rothko que durante el film nos han vetado -no están en venta, recuerdas?-. Un broche final que se agradece.

          Sin duda una película muy contemporánea, pero la novela si es igual... da miedo lo profética que puede llegar a ser.

Títulos iniciales Action Painting

martes, 23 de octubre de 2012

Маяковский: ¿futurismo, progreso o sentimientos humanos?



Maïakovski, Poemas; Ediciones 29, 2002 (Barcelona).

Sin duda, uno de los libros más interesantes que he leído en las últimas semanas.
Aunque sea un pequeño compendio es potente, nos hace recordar la fuerza de los futuristas, su amor por las máquinas, lo metálico, el progreso... aunque a diferencia de los futuristas italianos tienen un mayor apego por la tierra, por su  Матрёшка, la madre tierra que los ha visto crecer, por el comunismo (los primeros momentos, claro) y su convincente pensamiento de devolver a los campesinos lo que era suyo: la tierra.
Es interesante ver como nuestro poeta muestra devoción por el progreso de la comunidad pero sin abandonar sus tradiciones y su gente... al respecto hay varios poemas dedicados a su estancia en América dónde nos narra su vuelta antes de que el visado de turista de caducara, mostrando su desinterés por lo que aquella tierra novedosa le ofrecía. Sin duda su vieja Rusia, la sucia Europa, le ofrecía la solera que sus escritos necesitaban. Escritos que nos narran con desgarro sus encuentros y desencuentros con la sociedad, círculos artísticos, partidos políticos... siendo una redacción muy especial sobre el pre y postiempo de Lenin. Un documento digno de leer y releer en nuestra época que al igual que los inicios del XX es un momento convulso y equívoco para muchos.

Aquí os muestro unas estrofas de esta pequeña joya recopilatoria:

" ¡Matad cuanto es viejo!
                                     ¡ De los cráneos haced ceniceros!

Arrasadas
las antiguallas,
un mito nuevo
se impondrá en el mundo.
Romperemos con el pie
la barrera del tiempo.
Miles de arcoiris
colorearán el cielo"                                           Pág. 47

" Y cuando el país iba a quedar sin aliento
                                        -cortado por el hambre-
entonces,
             blandiendo el ariete hidráulico de los trenes,
             el transporte se puso en marcha.
Las locomotoras, con su blanca barba al viento,
combaten,
              el hambre cede,
y los trenes cargados de trigo,
empezaron a pasar por encima de su cuerpo,
comiéndose los restos".                                                               Pág. 50

"Tenéis suerte.
La vergüenza no alcanza a los muertos.
Apaga pues
tu odio por los difuntos asesinos.
El líquido más puro ha lavado
el pecado del alma emigrada".                                                   Pág. 56


" (...) Imaginad-
allá,
bajo un árbol,
alguien ha visto
a Caín y a Cristo
jugando al ajedrez".                                                                  Pág. 66


" ¡FELIZ
              el que ya está muerto!
Aprended a conocer,
                        vosotros, los quemados vivos,
                                                                  por los burgueses.
su último invento:
                           <<el crematorio>>".                                              Pág. 111


"Y la ciudad
                  parece
                           un paquete abierto
                                                     y pisoteado
sobre la tierra
                   ennegrecida".                                                              Pág. 114


"En noches como esta,
                                  en días así,
a estas horas
por las calles
                  sólo andan
los poetas
               y los ladrones (...)"                                                          Pág. 152


"La alegría
               es un caracol que repta.
La desgracia
                  es un corcel indómito."                                                 Pág. 159


" Fíjate:
           ¡ qué paz en el universo!
La noche
             impulso al cielo
                                   un tributo estelar.
Esta es la hora
                     en que uno se levanta y habla
a los siglos,
               a la historia,
                               al universo..."                                                Pág. 191.






Aquí una muestra audiovisual de nuestro territorio patrio durante parte de este período. Nunca Rusia y España estuvieron tan cerca:

http://www.youtube.com/watch?v=aovcbK7yKyE

domingo, 7 de octubre de 2012

Goticismo ilustrado o la Nueva Blanca


                

                        Este año podemos, y debemos, afirmar que nos han martirizado a versiones malísimas  de Blancanieves. Podríamos ser benévolos y sacar de cada una de ellas alguna característica que nos llamó la atención en su día… pero que pasado el tiempo solo recuerdas con rabia e incluso con un poco de pasotismo. Un vago y triste recuerdo en nuestra mente atiborrada de iconos.

Toda esta estructura fallera construida este año (omito versiones anteriores) por directores como Tarsem Singh o Rupert Sanders queda atrás con la versión de Pablo Berger. Si el señor Singh, por un lado, nos proponía una Blancanieves  revestida por pintura Titanlux dónde todo quedaba envuelto en un aura divinamente pop, incluso la misma historia de Blanca. Sanders, por otra, ponía sobre la pantalla todo lo contrario: un mundo lúgubre totalmente forrado de grises superficies y blanca nieve, con ciertos toques de rojo intenso (para que no se diga). Como muchos han comentado, la transformación de Blanca en heroína de videojuego o mejor dicho, “Dragones y Mazmorras 2.0”. Así, el 2012 nos ofrecía hasta el momento dos extremos: la princesa recubierta por barniz dieciochesco o la princesa guerrera, cual San Jorge luchando contra aquello que teme y odia. No obstante la distancia estética de éstas, caen en el mismo error según nuestro punto de vista: hacer de la historia de Blanca una noticia rosa, un drama de folletín -pensaba que me quedaría ciego después de tal atracón de edulcorantes- perdiendo la narración gran parte de su encanto y perversión, cosa que no podemos consentir desde aquí aunque sea “una versión”. Quitarle la perversión a Blanca es como quitarle a Bergman sus silencios o a Almodóvar sus boleros. No, no se puede.
Pero llegó septiembre y con él la historia de la que tanto habíamos oído hablar, leído alguna nota de prensa e incluso visto alguna imagen robada (no mucho porque no nos gusta destripar antes de tiempo, todo sea dicho)… pero solamente la idea de revisitar las fechorías de Blanca y sus pequeños amigos ahora en nuestro país, en blanco y negro y “mudamente” nos ponía la piel de gallina.






El deseado día llegó: el estreno. Decir que quedamos boquiabiertos es poco. Pablo y todo el equipo apostaron muy fuerte en la puesta en escena, la España más cañí se pone delante de nuestros ojos estampada con violencia contra la pantalla haciendo que toda la trama se desparrame sobre los espectadores; aquí no hay color pero el poder visual de sus imágenes es tal que nos hace imaginar la gama cromática más satinada que nuestra mente recuerda (casi en Cinemascope) para tal narración dónde aparecen la mayoría de tópicos de una época: los años veinte (finales). Berger sabe captar nuestra atención en esta historia gótica desde el primer minuto con la aparición del telón de terciopelo (homenaje a los antiguos telones de cine); nuestros ojos están ávidos de emoción, de groserías, de amor, de perversiones… y el director no nos defraudará. Como se ha mencionado, toda una galería de tópicos de la época se aparecerá durante los 104 minutos de film ante nuestra atenta mirada, como una colección decimonónica de curiosidades. Podríamos decir que es como ver un libro de Pilar Pedraza en pantalla grande, pero con ciertos toques cañí, recuperando la cultura de "fenómenos" tan generalizada durante esos años (es algo que me encanta): enanos, travestis, imágenes picaronas que nos recuerdan a  las películas pornográficas de Alfonso XIII… y lo más impresionante: los actores tienen ojos. No digo más. Los ojos de los actores se ven poco en el cine patrio, pero aquí, será porque no hablan, el director ha permitido que sus actores interpreten con la mirada y más aún que se recupere la historia de Blanca en casi toda su crudeza, recordándome a maravillosos fragmentos de uno de mis libros favoritos: "Zarzarrosa" de Robert Coover. No queremos adentrarnos en el reparto, pero es necesario mencionar la excelente actuación de todos y cada uno de ellos. Maribel Verdú como madrastra nada tiene que envidiar a las otras actrices que este año han tenido el privilegio de encarnarla, ya querrías tú Julia tener el temple de nuestra Maribel ¡Ja!. Por no hablar de los enanos, Ángela Molina (recordándonos a "Las cosas del querer) o el maravilloso Poncela... todo un honor asistir a la actuación de tal elenco de artistas.


Cabe mencionar que muchos han criticado que esta película tenga su base en el toreo (desde aquí no apoyamos este acto matarife), en la tauromaquia. No es aprobada por gran parte del público por este simple motivo, pero como mencionaba Elvira Lindo “No sé (sabemos) si defienden que se prohíba que los toreros protagonicen una historia de ficción, pero si fueran coherentes deberían dar la bronca también en los conciertos flamencos, en algunos desfiles de moda, quemar unos cuantos libros de temática taurina e incluso disolver esas fiestas donde los abuelos bailan y tararean ciertos pasodobles”.

En fin, sea como fuere, nos encontramos ante una emocionante experiencia sensorial cargada de pinceladas de humor surrealista, esencia dramática y un poderío musical que coquetean con clase y elegancia entre la España taurina más cañí y el imaginario más freak(valga la redundancia), a través de su monumental puesta en escena. En resumidas cuentas, un evocador homenaje al séptimo arte que, de momento nada tiene que envidiar a la aclamada “The Artist”.

No os lo penséis más y si no habéis ido a ver esta joya, ya estáis tardando.